La padronanza dello spazio e delle sue rappresentazioni è stata ed è ancora un argomento chiave nella storia dell’arte. Ha permesso grandi progressi, in particolare nelle arti della guerra, fino alla modellazione digitale di cui siamo testimoni oggi. Lo spazio è un problema importante. Dalla sua rappresentazione alla sua intrusione nell’opera, lo spazio è una questione fondamentale che ogni artista di ogni epoca deve affrontare. Le diverse tecniche di rappresentazione prospettica hanno tutte in comune l’intenzione di rappresentare la vista di oggetti tridimensionali su una superficie, tenendo conto degli effetti della distanza e della loro posizione nello spazio rispetto all’osservatore.
“Molte scienze presuppongono lo spazio; l’arte lo produce. Jean-Paul Galibert
LA PREISTORIA
In questa pittura rupestre, la forma della parete della grotta corrisponde alla forma del corpo del cervo? L’uomo preistorico sapeva già come sfruttare lo spazio che gli veniva offerto nelle grotte? Lo spazio è lo spazio della natura. Non c’è spazio rappresentato, solo figure che seguono il rilievo delle pareti della grotta.
– Tutti gli animali, con rarissime eccezioni, sono rappresentati di profilo, ma molto spesso la vista di profilo è alterata dal processo di prospettiva contorta, così molti bisonti hanno corna anteriori.
– Le sovrapposizioni sono frequenti.
Il terreno è talvolta evocato da un elemento naturale, un cornicione, ma non è mai rappresentato direttamente.
ANTICO EGITTO
I pittori egiziani non cercavano di rappresentare la profondità. Ciò che contava per loro era che i personaggi o le situazioni che stavano dipingendo fossero riconoscibili. Lo spazio frontale è costruito e poi decorato. C’è una rappresentazione spaziale gerarchica. La rappresentazione dello spazio o del luogo obbedisce alla prospettiva orizzontale, essendo annullata la distanza perpendicolare e obliqua immaginabile. Lo spazio è come quello di una pagina dove la storia si svolge in orizzontale. Tuttavia, la rappresentazione dei corpi umani sia di fronte che di lato soddisfa il requisito di dare un massimo di informazioni sulle figure.
La superficie è divisa tra lo spazio per le iscrizioni geroglifiche e lo spazio per le illustrazioni. Quest’ultimo è coperto da una griglia con corde imbevute d’inchiostro rosso. Gli oggetti e i personaggi sono delimitati da uno scriba-disegnatore, un confine entro il quale il pittore può poi giocare.
IL MONDO ANTICO
Nell’antichità, la geometria euclidea iniziò con gli Elementi di Euclide, che è sia una somma delle conoscenze geometriche dell’epoca sia un tentativo di formalizzare matematicamente queste conoscenze. Le nozioni di linea, piano, lunghezza e area sono esposte e costituiscono la base delle lezioni di geometria elementare. La concezione della geometria è intimamente legata alla visione dello spazio fisico circostante nel senso classico del termine. La profondità è rappresentata geometricamente. “Le prime ricerche sulla nozione di prospettiva risalgono ai filosofi e geometri dell’antica Grecia del V secolo a.C. Sappiamo che l’iniziatore delle ricerche sulla prospettiva fu il pittore Agatharcos; infatti, Vitruvio ci dice che questo pittore avrebbe menzionato nel suo trattato la nozione di linee di fuga originate da un unico centro focale. Zeuxis, un pittore dell’antichità, sapeva rappresentare lo spazio in “trompe-l’oeil”, cioè dando la perfetta illusione di uno spazio reale. Purtroppo non si sono conservati dipinti di questo periodo.
Anche i romani cercavano il realismo nella loro pittura. Nel XVIII secolo, le città di Pompei ed Ercolano, che erano state sepolte sotto la lava del Vesuvio nel 79 a.C., furono trovate e riportate alla luce. Sono stati scoperti affreschi in perfetto stato di conservazione. Questi affreschi testimoniano la ricerca fatta dagli antichi pittori romani per rappresentare la profondità.
IL PERIODO BIZANTINO
Nel periodo bizantino, lo spazio non è profondo: è frontale e invita lo spettatore ad affrontare le immagini. Gli sfondi dorati danno una dimensione sacra alle immagini religiose. Nell’immagine qui sotto, il tavolo è rappresentato in una prospettiva cavalleresca e sembra emergere dal pannello. Non è che gli artisti abbiano meno talento, ma non si preoccupano più di dare l’illusione della realtà. Invece, hanno cercato di rappresentare realtà eterne.
IL MEDIOEVO
Durante il Medioevo, lo spazio è ancora piatto, con tentativi occasionali di prospettiva cavalleresca. Alcune linee oblique suggeriscono la profondità dello spazio rappresentato.
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In questa immagine qui sotto, la prospettiva è significativa: le cifre più grandi sono più importanti di quelle in fondo alla pagina. Ci sono due piani, il primo dei quali si sovrappone al secondo, creando così un effetto di profondità attraverso la loro giustapposizione.
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Nel 1344, Ambrozio Lorenzetti dipinse un’Annunciazione che è considerata una vera rivoluzione nella storia dell’arte. La Vergine e l’angelo sono collocati su un vero piano terra che rappresenta una piastrella a scacchiera, il che dà all’immagine un evidente effetto di profondità. Ma lo spazio rappresentato è quello di un cubo tridimensionale dove sono collocate le figure. La prospettiva non ha orizzonte, con il suo punto di fuga all’infinito, e lo sfondo dorato ferma la progressione della scacchiera come se andasse contro un muro.
IL RINASCIMENTO
Durante il Rinascimento, gli artisti ripresero le teorie di Euclide e fecero nuovi tentativi per “scavare” lo spazio del quadro e suggerire la profondità. Alberti scrisse in un trattato: “Disegno prima un rettangolo sulla superficie da dipingere, che sarà per me come una finestra aperta sul mondo”. Ma in quest’opera, Masaccio mette un muro sullo sfondo della scena per non sollevare la questione dell’infinito. La tecnica della prospettiva dominerà e diventerà una vera e propria scienza. Artisti hanno scritto trattati sulla prospettiva come Dürer, Alberti, Piero della Francesca, ecc.
PROSPETTIVA CAVALLERESCA IN GIAPPONE
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Altrove, come in Giappone, si è sviluppata la rappresentazione in prospettiva cavalleresca, dove le linee di fuga sono parallele tra loro.
I VEDUTI:
Il vedutismo (dall’italiano vedutismo, da veduta) è un genere pittorico fiorito in Italia e principalmente a Venezia nel XVIII secolo, basato sulla rappresentazione prospettica di paesaggi urbani. Ha avuto origine nella pittura del nord ma si è affermata tra i veneziani.
PROSPETTIVA ATMOSFERICA
La prospettiva atmosferica è una tecnica principalmente pittorica che consiste nel marcare la profondità dei piani successivi dando loro gradualmente (da vicino a lontano) il colore dell’atmosfera, del cielo. È stato riscoperto in tempi diversi, gli affreschi di Pompei mostrano che era usato nell’antichità.
Gli artisti sono stati finora alla ricerca di una rappresentazione della realtà su uno spazio piatto. La pittura è “una finestra aperta sul mondo”, come diceva Alberti.
I dipinti sono lisci in modo da non disturbare il percorso dell’occhio nello spazio suggerito dal dipinto.
IL PERIODO BAROCCO:
Nel periodo barocco, come nel Paesaggio invernale di Jacob van Ruisdael, lo spazio costruito è investito da dipinti che hanno l’effetto di smaterializzare l’ambiente costruito per portare lo spettatore verso una realtà idealizzata e divina.
La pittura non è ancora alla ricerca di un proprio spazio di pura pittoricità. La storia della rappresentazione dello spazio in pittura dimostra che non esiste un sistema capace di riprodurre la realtà. Anche il quadro più realistico rimane un’illusione.
IL DICIANNOVESIMO SECOLO
Nel XIX secolo, l’invenzione della fotografia ha permesso la diffusione delle immagini e ha permesso a tutti di vedere e capire definitivamente la prospettiva.
La pittura è alla ricerca del proprio spazio nella superficie del quadro. Cerca la letteralità del piano. Gustav Klimt, nel Ritratto di Adele, annienta qualsiasi effetto di profondità. Il corpo della giovane donna sembra essere intrappolato nel piano dell’immagine.
IL 20° SECOLO
Nel 1918, Malevitch propose un quadrato bianco su sfondo bianco. Si crea lo “spazio della pittura”. La pittura astratta si mostra nella purezza del piano coperto di bianco, nelle sfumature del bianco. La pittura monocromatica, in un solo colore, permette l’affermazione dello spazio puramente pittorico.
CUBISMO:
Il cubismo è un movimento artistico che si sviluppò principalmente dal 1907 al 1914 su iniziativa dei pittori Georges Braque e Pablo Picasso. Da quel momento in poi, lo spettatore si trova di fronte a un’immagine che può percorrere senza doversi spostare: la terza dimensione entra nello spazio bidimensionale. I cubisti vogliono mostrare l’essenza di una cosa, mostrarla nella sua interezza. Vogliono mostrare tutto ciò che può caratterizzare una forma, anche se in realtà non può essere percepito simultaneamente. Per esempio, ciò che caratterizza una tazza è il manico che si vede quando la si guarda di fronte, l’ellisse che appare quando la si guarda dall’alto, e la forma del contenitore stesso visto di profilo.
I SECOLI XX E XX CONTINUARONO:
Ma gli artisti non dimenticano la profondità. Lucio Fontana, nei suoi Concetti spaziali, trafigge la tela con il colpo di coltello per creare una realtà profonda nella carne della tela. La profondità attraverso il leggero rilievo è reale.
JACKSON POLLOCK: LO SPAZIO INFINITO
Jackson Pollock, con la sua tecnica di action painting, deposita sullo spazio della tela delle gocce che vanno ben oltre i limiti, i bordi della tela. Il quadro continua all’infinito come se i suoi gesti non avessero fine.
Ma lo spazio concreto diventerà, secondo gli esperimenti, un elemento plastico, un materiale di cui gli artisti della land art approfitteranno. Christo, qui sotto, è un esempio lampante. La land art agisce direttamente sulla natura. La land art è una tendenza dell’arte contemporanea che utilizza la struttura e i materiali della natura (legno, terra, pietre, sabbia, rocce, ecc.). Il più delle volte, le opere sono all’aperto, esposte agli elementi e soggette all’erosione naturale; così, alcune opere sono scomparse e rimangono solo la loro memoria fotografica e i video.
Le opere d’arte diventano penetrabili come quelle di Jesus Rafael Soto,
Con le tecnologie digitali, lo spazio virtuale può coincidere con lo spazio dello schermo del computer o, al contrario, includere spazi molto più grandi.
Faces of Facebook è un esempio: questo monocromo è infatti un’accumulazione di milioni di foto di profilo su Facebook. Lo spazio qui è globale.
Altri artisti usano Google Earth per disegnare le loro opere d’arte con una parte del Pacifico la cui fotografia aerea ricorda i monocromi di Klein, clicca sull’immagine
LE DIVERSE PROSPETTIVE:
Prospettiva Cavalier: gli obliqui sono paralleli:
Prospettiva assonometrica: Nel disegno tecnico e nell’architettura, la prospettiva parallela, o prospettiva cilindrica, o prospettiva assonometrica è una forma di rappresentazione bidimensionale di oggetti tridimensionali che mira a mantenere l’impressione di volume o di rilievo.
Il punto di fuga unico o prospettiva monocentrica:
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Prospettiva curvilinea
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prospettiva a due punti di fuga
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Prospettiva di immersione
Questo tipo di prospettiva si trova spesso nei fumetti e nei film d’animazione giapponesi, che usano molti degli stessi punti di vista del cinema.
COMPUTER GRAFICA TRIDIMENSIONALE
La sintesi di immagini tridimensionali, spesso abbreviata in 3D (3D per tre dimensioni: x,y,z, i tre assi che costituiscono il punto di riferimento ortonormale della geometria nello spazio), è un insieme di tecniche, in particolare del CAD (Computer Aided Design), che permette la rappresentazione di oggetti in prospettiva sul monitor di un computer.
Animazione 3D:
Immagine stereoscopica: richiede l’uso di occhiali specifici, bicolori o polarizzati, che permettono al cervello di ricostituire una visione stereoscopica;
Gli artisti cercarono prima mezzi plastici come la prospettiva simbolica per rappresentare l’eterno, poi si misero a imitare la natura. Ma questa è una convenzione di rappresentazione. Poi, la pittura si è liberata da questo bisogno di imitazione ed è entrata in una ricerca di puro spazio pittorico. Lo spazio fisico e concreto è entrato gradualmente nel lavoro, in particolare con installazioni che hanno portato il corpo dell’artista nello spazio fisico dell’opera.
Con i mezzi digitali, molti tentativi sono destinati ad essere globali. Lo spazio è virtuale ma non conosce confini. È decuplicato. Spazio suggerito e spazio letterale possono talvolta coesistere in certe opere.
Lo spazio letterale è lo spazio fisico e reale del mezzo.
Lo spazio suggerito è lo spazio della rappresentazione sul nostro supporto.
Un disegno prospettico è uno spazio suggerito.
Un monocromo è uno spazio letterale.
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